La Compagnie 13 réinvestit la Cité des Papes avec son « Marie Tudor » pour célébrer le dixième anniversaire de sa création avignonnaise.
Une Reine, une femme, déchirée entre l’amour et la haine, le pardon et la vengeance, la fidélité et la trahison.

LE drame passionnel de Victor Hugo !

Simon Renard, chargé d’organiser le mariage politique de l’Angleterre et de l’Espagne, va utiliser l’amour passionné d’un homme du peuple et la jalousie maladive d’une reine pour tendre un piège au favori dont le sacrifice est exigé par la raison d’Etat.

La pièce s’ouvre sur un lord anglais déclarant « Il faut que ce damné italien ait ensorcelé la reine » et se termine sur Simon Renard, légat impérial représentant le prince d’Espagne, proclamant « J’ai sauvé la reine et l’Angleterre ».

Entre ces deux phrases, tout au long des trois journées qui constituent ce drame populaire, nous assistons à la chute programmée, méthodique, presque mathématique de Fabiano Fabiani, favori et amant de la reine qui cristallise toutes les haines.

Au drame amoureux se superpose alors une tragédie où le véritable enjeu est la prise de pouvoir, où les rancoeurs privées servent un dessein politique, où un homme, au demeurant condamnable, est exécuté pour un crime qu’il n’a pas commis.

« Des comédiens intenses et justes… Captivant » — TÉLÉRAMA
« Une grande intelligence.
  Il y a une énergie de talents remarquable » — LE FIGARO MAGAZINE – P.Tesson
« Tout le monde devrait aller voir Marie Tudor » — LE MONDE
« Une soirée délicieuse. quel suspense dans ce mélo. Un bijou » — L’OBS, J. Nerson
« Magnifique ! » — LES TROIS COUPS
« Cette version touche au sublime » — REG’ARTS
« Un moment de théâtre intense et vibrant » — L’ŒIL D’OLIVIER

« Je n’ai rien de toi.
Plus d’enfant, pas un mot, pas une ligne, pas de place dans ta mémoire. »

Qui est-elle, cette inconnue qui au chevet de son enfant mort, écrit à l’homme qu’elle aime depuis toujours ? Une jeune fille solitaire ? Une femme devenue mère dans le secret ? Une prostituée qui ne dit pas son nom ? Et d’ailleurs, le sait-elle seulement ?

L’histoire qu’elle lui confie est pourtant la sienne. Celle de son amour absolu et secret. De son obsession aussi. L’obsession de lui. L’histoire de celle qu’elle est devenue parce qu’il ne l’a jamais reconnue : une femme sans âge, sans visage et sans nom, qui s’est lentement effacée aux yeux du monde.
Car ne pas exister dans son regard à lui, c’était n’exister dans celui de personne.

La Compagnie Poqueline adapte le célèbre roman de Stefan Zweig et propose, pour la deuxième année consécutive à L’Espace Roseau Teinturiers, ce seule-en-scène porté par Betty Pelissou et mis en scène par William Mesguich.

Cette plongée dans le cœur d’une femme transporte le spectateur entre passion et folie, espoir et désespoir.

À travers une correspondance s’étalant sur plus de 50 ans, l’on suit l’évolution – depuis l’école primaire jusqu’à la mort – d’un amour passionné mais impossible entre Andrew et Mélissa.

Tout les oppose et c’est cette complémentarité qui les rend à la fois indispensables l’un à l’autre, mais aussi incompatibles.

C’est bouleversant et pourtant l’on rit beaucoup. Le choix de mise en scène rend le spectacle très dynamique, les comédiens vivant le texte comme un dialogue à distance plutôt que simplement le lire.

C’est une douce histoire d’amour, celle d’un homme et d’une femme, où la candeur le dispute à la trivialité des situations.

Avec eux, à travers eux, le quotidien acquiert un caractère loufoque. Tout vire à l’improbable.
La caricature est toujours bien sentie et ce talent tout japonais pour l’excès donne au spectacle une puissance comique rare.

« Tout de blanc-vêtus, ils nous délivrent sur fond musical avec grâce et élégance autant de moments remarquables d’observation, de sens du geste et du burlesque, d’humour au second degré et de fantaisie malicieuse. » La Montagne

« La compagnie Sivouplait nous vient tout droit du Japon et nous offre des spectacles visuels entre mime et humour, frais et délicieux « comme une de ces bouchées sucrées dont il est difficile d’oublier le goût ! ». C’est subtil et poétique, mâtiné d’une fantaisie toute nippone » — LESESCALESFANTASTIQUES.CA

« Les silences habités d’amour et d’humour sont parfois plus évocateurs que la parole. La malice et la tendresse fusent des mouvements stylisés de Nozomi Horie et Takeshi Shibasaki. Ils entrent avec grâce et élégance dans une succession de tableaux décalés, inspirés par leur sens aigu de l’observation de la vie de couple.  Alliant le particulier à l’universel, le duo émeut et son autodérision suscite le rire. » — FESTIVALCITE.CH

« Ces mimes aux allures de couple modèle, tout sourire et sans parole, viennent toucher le fond de votre cœur. Sans détours ni artifices. Musical et flirtant parfois avec les clichés que nous connaissons tous, le spectacle est frais, simple et évident. Un coup de Sinatra et hop, en selle pour l’hilarité la plus totale ! » — CHALONS DANS LA RUE

D’un coup tout bascule quand à travers l’étude de l’oeuvre de Maupassant ce professeur tisse des liens entre l’oeuvre et l’actualité, entre les personnages de la nouvelle et des situations bien réelles. Tout prend forme, tout fait sens, et en même temps que se décryptent les mécanismes de l’esprit de meute, se dessinent les contours d’une résilience collective.

Deux drames, une même issue… qui dépendra de nous !

« Boule de Suif rendue vivante et vibrante » — LA REVUE DU SPECTACLE
« Yannick Laubin captivant » — L’INFO TOUT COURT
« Il fait revivre avec intelligence et originalité Boule de Suif en croquant avec modernité tous les personnages de cette histoire » — SUR LES PLANCHES

Entre joutes sifflées et illustrations musicales par le saxophoniste/clarinettiste, les Chanteurs d’Oiseaux vous transportent dans leur univers musical, poétique et humoristique. De leur connaissance intime du monde des oiseaux et de leurs chants, ils nous sifflent un spectacle musical unique et plus que perché.

Vous n’écouterez plus jamais les oiseaux comme avant !

Deux famille égales en noblesse,
 dans la belle Vérone où nous plaçons notre scène se déchirent à nouveau pour d’anciennes querelles, ou le sang des citoyens souille les mains de tous. Des funestes entrailles de ces deux ennemis sont nés deux amoureux maudits par les étoiles, dont le destin tragique et lamentable
 doit ensevelir dans leur tombe, les haines ancestrales. Le terrible chemin de leur mortel amour et la haine héréditaire que se vouent leurs parents, peuvent seulement par la mort être apaisés.

Si vous nous prêtez une oreille attentive, nos efforts tenteront d’affaiblir nos défauts.

Un casting différent à chaque représentation, décidé par le public, incluant des variations de combinaisons de genres font de ce Roméo & Juliette une célébration de l’amour sous toutes ses formes.
Alors qu’á l’époque de Shakespeare, tous les rôles étaient interprétés par des hommes, aujourd’hui, la compagnie Les Divergents questionne l’amour au-delà du genre, et des normes sociales en offrant la possibilité au public d’écrire sa propre histoire d’amour grâce à son choix de distribution.

 

« Le public en ressort heureux. » — EUROPE 1
« Shakespeare peut dormir sur ses deux oreilles. » — PARIS MATCH
« On a l’impression d’assister à quelque chose d’unique. » — TELE MATIN
« Les acteurs jubilent, les spectateurs aussi ! » — ELLE
« C’est absolument bluffant. » — C À VOUS
« L’amour illustré à merveille. » — LE PARISIEN
« Un véritable coup de cœur ! » — Edouard Baer – LE JOURNAL DE PARIS
« Le résultat est remarquable ! » — L’ŒIL D’OLIVIER

Boby Lapointe, de son temps, était en fait vu comme un artiste à part, son apparition inquiétant un peu le monde de la chanson et du cinéma. Brassens, en fraternel voisin occitan,  l’imposa en première partie de son spectacle à Bobino, sa salle de prédilection. Le producteur du film de Truffaut tirez sur le pianiste disant qu’on ne comprenait pas ce qu’y chantait Boby Lapointe demanda qu’on fit apparaître les paroles à l’image. Le réalisateur le prit au mot et le sous-titra dans la séquence ce qui valut à Lapointe de traîner longtemps le surnom : « le chanteur sous-titré ». Le côté ingénieur et génie des maths du chanteur ajouta à sa légende.

Pour nous, qui sommes d’un temps, où une certaine différence ou singularité est un peu plus admise, Boby Lapointe s’apparente au lignage des poètes qui sous vire langues et jeux de mots en fait parlent de tout faisant remonter absurdités et souffrances des désirs et des séparations dépassées par le rire, ces choses de la vie que les artistes du temps des petits cabarets de l’après-guerre de la rive gauche de Paris faisaient entendre à leur  public en toute l’intimité de la proximité avant de le faire passer bien vite par le disque et le petit écran de la télévision arrivée tout nouvellement dans les foyers.

Ce que nous voulons faire passer dans notre spectacle Des racines à Lapointe c’est aussi un  Boby Lapointe participant d’un temps trop souvent vilipendé, celui des yéyé qui le rapprocherait d’un Serge Gainsbourg transfuge comme lui, avec un style où la tendresse pour les travers des temps modernes s’exprime souvent à travers la dérision. Méfiez-vous de Boby Lapointe : il est toujours et encore un miroir déformant de nous-mêmes. 
Le miroir du décor d’un salon de coiffure dans une jolie petite ville du sud de la France.
Entrez-y ! 

Serge Hureau

« Détestez la mauvaise musique, ne la méprisez pas. […] Sa place, nulle dans l’histoire de l’Art, est immense dans l’histoire sentimentale des sociétés », écrit Marcel Proust dans Les Plaisirs et les jours.

En s’excusant ainsi d’apprécier le café-concert, Proust reconduit ici les préjugés de classe à l’égard des musiques populaires : il ira jusqu’à supprimer de son œuvre-monument (La Recherche) tous les passages qui décrivaient les beuglants et leurs artistes, qu’il connaissait bien, pour les avoir fréquenté souvent.

Avec Reynaldo Hahn, compositeur de musique savante épris de simplicité, comme en témoignent nombre de ses « mélodies », Proust est attiré par la liberté qui traverse de part en part les chansons de caf’-conç’ et leurs interprètes : Thérésa, Paulus, Dranem, Fragson et, avant tout, les deux immenses vedettes de la chanson que sont, au tournant de 1900, la grande Yvette Guilbert et Félix Mayol (qu’il désire inviter chez lui pour chanter, sans jamais oser le faire). L’évocation, explicite quoiqu’à mots couverts, de la sexualité, l’enthousiasme effréné du public, l’art des artistes de dire en chantant et de danser leurs chansons touchent Marcel et Reynaldo au plus haut point.

Un jeune chanteur, frais émoulu du Conservatoire national supérieur d’Art dramatique, (Quentin Vernède), un chanteur rompu aux contrastes de styles (Olivier Hussenet), accompagnés par une talentueuse pianiste-arrangeuse classique (Lucie Sansen) et une percussionniste comédienne aux allures de Céleste Albaret, la gouvernante de Proust (Catherine Pavet), lèvent le voile sur ces trésors paradoxaux de la chanson qui tournèrent la tête à ces deux esthètes raffinés.

C’est l’histoire d’une rencontre.

Celle d’un adulte et d’un enfant, tous deux tombés du ciel. Le pilote a cassé son avion au milieu du désert. Seul et en danger de mort, il se démène pour le réparer. La rencontre insolite avec le petit prince va d’abord le perturber, puis l’apaiser, pour finalement le sauver.

En quête de vérité, le petit prince a quitté son astéroïde, laissant derrière lui sa rose. Un périple qui l’a mené jusqu’à la Terre. A travers son regard d’enfant, il raconte au pilote son aventure : les étranges planètes visitées et les vaines certitudes du monde des adultes. Il lui confie aussi l’amour qu’il éprouve pour sa fleur et l’amitié qui le lie à un renard.

Amoureux d’oralité, le slameur Fafapunk donne vie de façon inédite et sincère au Petit Prince. Associé au musicien compositeur Tomislav Matosin, qui incarne à ses côtés les personnages iconiques du roman de St-Exupéry, Fafapunk porte à la scène le récit culte et universel pour en révéler la valeur philosophique et la charge poétique. La mise en scène précise et sobre de Mathieu Frey vient étayer une scénographie et une mise en lumière qui suggèrent, plus qu’elles ne le figurent, l’univers du Petit Prince.

Parenthèse onirique pour petits et grands, souvent drôle mais aussi émouvante, Le Petit Prince Slam ! est une ode à la vie et à la fraternité.

« Il y a de la poésie, de l’humour, de l’ironie dans Le Petit Prince. On retrouve tout cela dans votre spectacle. C’est vraiment une grande réussite. Bravo ! » — Olivier d’Agay, DIRECTEUR DE LA SUCCESSION ANTOINE DE SAINT-EXUPÉRY.
« Absolument magique, équilibré, drôle, plein d’émotion. Indispensable pour tous les âges. Et particulièrement en ce moment pour la vraie valeur des choses » — NOSENCHANTEURS.EU

Vous aimez les coquelicots ?

C’est une fleur que j’adore. Indomptable ! Si vous la cueillez, elle s’éclipse direct en vous laissant un truc qui ne ressemble plus à rien dans les mains. Une petite fleur qui du haut de ses quelques centimètres vous dit merde bien en face :
« Je vis là où j’ai choisi de pousser ou ciao bye bye, je me barre ! »

On ne s’approprie pas un coquelicot !
Ce petit truc tout fragile d’un rouge si flamboyant ne finit jamais en bouquet. Pas assez résistant. Il a fait de sa fragilité une force incroyable.

« [ . . . ] Outre cette fragilité, c’est aussi une fleur qui signifie la consolation et le repos. Des symboliques que l’on retrouve dans ce texte plein de générosité et de poésie…» — LE GUIDE DU THÉÂTREUX – (lire la suite)

Dernière descendante de sa lignée, Lola décide de ne plus porter le poids de son histoire familiale et ose pénétrer les secrets inavoués de son aïeule, Inès Dolorès. S’ouvre alors la porte de ses origines : un jardin peuplé de fantômes, de passions contrariées, de ronces épineuses et de roses couleur de sang.

Un tourbillonnant et brûlant voyage transgénérationnel où se mêlent chant, danse et guitare. A mi-chemin entre Lorca et Almodovar, du théâtre musical aux accents gitans et flamencos qui nous transpercent jusqu’à l’âme.

— Une création Avignon 2023 —

L’incroyable histoire de Séraphine Louis, dite Séraphine de Senlis, femme de ménage et peintre de génie atteinte de schizophrénie, racontée par Wilhelm Uhde, collectionneur esthète et marchand d’art allemand, opposant au régime nazi, qui a découvert et fait connaître les œuvres de Picasso, Braque et du Douanier Rousseau, à travers une pièce qui questionne les rapports de l’art et de la folie.

Conquérantes, espiègles, envoûtantes, Les Divalala marquent une nouvelle fois de leur griffe unique les hits de Johnny, Nougaro, Soprano, Oldelaf, Voulzy, Bashung, Elsa…

Trois voix a cappella qui nous saisissent avec précision et délicatesse, entre humour, légèreté et émotion. Dans un show virtuose et inclassable, les acrobaties vocales de ce trio nous transportent de l’urgence du désir aux frissons du plaisir, des bleus de l’amour blessé à la tendresse du souvenir…

Les Divalala signent avec ce troisième spectacle une irrésistible performance vocale et scénique, teintée d’une fantaisie débordante !
Succombez à ce trio bourré de charme et laissez-vous embarquer dans le grand huit renversant de Lalamour !

« Drôle, émouvant, tourbillonnant… » — LE MONDE
« Quelle énergie ! Quel souffle !
   Un divertissement vocal de haute voltige ! » — LE FIGAROSCOPE
« Irrésistible de drôlerie ou d’émotion. » — LE CANARD ENCHAÎNÉ
« Les Divalala osent tout ! » — TÉLÉRAMA
« Un univers unique et magique… » — FRANCE 3 IDF
« Notre coup de cœur » — FRANCE BLEU
« Un show virtuose et fabuleusement précis ! Elles sont bluffantes ! » — PARIS MATCH

2023.
Quinze ans après les événements qui ont marqué leurs destins, une mystérieuse neuro-biologiste parvient à retrouver Cyrano & Roxane, Perdican & Camille, Roméo & Juliette et les convainc de participer à une étude sur l’amour.

« Vincent Mignault est un auteur qui devrait compter.
Il aime les êtres humains et ça se voit » — LE FIGAROSCOPE

 

« Après plusieurs années de créations singulières et réussies, la Compagnie Je suis ton Père propose une variation originale sur l’amour. Un scénario intéressant et bien ficelé qui surprend, une mise en scène inventive aux références multiples et une équipe de comédiens épatants » — FROGGY’S DELIGHT

Ce spectacle est né de l’adaptation de la pièce Catastrophe de Samuel Beckett écrite en 1982 et dédiée à Václav Havel alors emprisonné. Son actualité est toujours brûlante en raison de la menace des régimes autoritaires qui pèsent à nouveau sur l’Europe de l’Est et dont la propagande n’épargne ni le théâtre ni l’art.

Venues des écrans les instructions du chorégraphe fusent lors de la générale. Il ne faut pas penser, pas poser de questions. « On a ce bon petit Bartók, ce n’est pas vrai qu’on ne puisse pas être plus gai ! » À la solde d’une dictature, cette voix veut conduire la patrie vers des lendemains glorieux…

A partir de la pièce Catastrophe de Samuel Beckett et des textes de Lajos Parti Nagy, Barbaro rend hommage à Vaclav Havel et aux artistes censurés dans cette Europe de l’Est hantée par l’autoritarisme.

Barbaro, c’est après Finetuning, déjà donné en Avignon en 2016 et 2017, le second opus d’une trilogie signée Dusan Hégli. Le spectacle se nourrit de cette culture traditionnelle du mouvement organique que les siècles ont affinée. La trilogie modernise la tradition de la danse de l’Europe Centrale en évoquant à travers le langage corporel la vie quotidienne, les sentiments et les émotions inscrits au cœur de l’être humain.

Allegro molto barbaro : magnifique jeunesse. LA PROVENCE, Danièle CARRAZ, 19/07/21

La danse au théâtre Golovine. AVIGNON LE OFF 2021, Geneviève Charras, 23/07/21

Avignon OFF : Alegro Molto Barabaro, le totalitarisme dansé deIfjú Szivek Dance Theatre. TOUT LA CULTURE, Amelie Blaustein Niddam, 28/07/21